Interaktionslabor / Performance Academy




no. 1 Exkursion zum Rosenlaui-Gletscher, Pleinair 2022 (Heiner Weidmann)

no. 2 Postkarten: Eine Denk- und Schreibaufgabe (Pia Holenstein)

no.3 Postcards - english version (Pia Holenstein)

no. 4

no. 5



Research Materials for 2022 Performance Compostition




May amnesia never kiss us on the mouth

Basel Abbas & Ruanne Abou-Rahme

Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich

21.05. - 11.09. 2022

The exhibition May amnesia never kiss us on the mouth deals with questions concerning the preservation of memory. The focus lies on how people bear witness to and narrate experiences of violence, loss, displacement, and forced migration through performance. In their works, the artists continuously deal with different forms of resistance and poetic manifestation through dance, music, and language. The two spatial installations May amnesia never kiss us on the mouth: Only sounds that tremble through us (2020-22) and Where the soil has been disturbed (2022) on the first floor of the museum take up these expressive practices and offer visitors a new perspective on how experiences of loss and expressions of resistance from Arabic-speaking contexts can be communicated, archived, and preserved.

The works on display are, on the one hand, a multi-channel video and sound piece based largely on filmed footage and written texts by the artists, as well as new performances developed with the musicians Makimakkuk, Haykal, Julmud and the dancer Rima Baransi from Ramallah. Further the immersive work May amnesia never kiss us on the mouth: Only sounds that tremble through us (2020-22) addresses mourning and overlooked forms of resistance in everyday practices. On the other hand, the work Where the soil has been disturbed (2022) shows photographically captured scenes and dried plants from Palestine that symbolize loss and resilience in its various forms. The artists’ archive, which consists of found video clips, their own recordings, written and spoken stories, and collected objects, forms the basis for the work. The archived memories that Abbas and Abou-Rahme have located and recorded in and around Palestine, Iraq, Syria and Yemen both in the real and digital space, contain song, dance, performance as well as expressions of protest. Together, they transmit physical manifestations of a collective memory that revolt against the erasure of marginalised communities in the Arabic-speaking context and lay claim to geographical right to exist, political self-determination and living together in community. The individual and collective memories live on in the work of Abbas and Abou-Rahme and become effective as counter-designs to colonial as well as capitalist narratives and discourses of the West.

The exhibition title May amnesia never kiss us on the mouth can consequently be read as a reminder or call to resist forgetting as well as the erasure of histories. Through the exhibition, the artist’s work against a systematic repression supported by political systems of power.
May amnesia never kiss us on the mouth is co-commissioned by the Museum of Modern Art, New York, and Dia Art Foundation, New York.
Curator: Dr. Michael Birchall, Curator, Migros Museum für Gegenwartskunst
Curatorial Assistant: Joel Spiegelberg, Trainee, Migros Museum für Gegenwartskunst



Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich

21.05. - 11.09. 2022

Julie Becker, Monica Bonvicini, Maurizio Cattelan, Anne-Lise Coste, Hanne Darboven, Sylvie Fleury, Florian Germann, Gianni Motti, Juan Muñoz, Ugo Rondinone, Michael Smith, Paul Thek, Nora Turato
How do disruptions inform our relationship with our world? To explore this question, the two-part exhibition Aus den Fugen – Momente der Störung (Engl.: Out of joint – Moments of disruption) gathers works from the museum’s collection. Disruptions can manifest as the soft grinding of sand in the gears, briefly stalling the familiar course of everyday routines. Others are dramatic and radical, shattering our reality. They can put the order of societies, systems, and institutions to the test and expose their inner workings; targeted attempts to create disturbances often serve to articulate critique. Varying in form, disruptions can manipulate our perceptions, displace meanings, and call firmly held beliefs in question.

In the second chapter of the exhibition, such destabilisation of our perception of reality, and truth, and how the construction of interconnections and narratives can undermine these ideas, are a central concern. The artist Julie Becker, for instance, delves into the myth of a hidden connection between the album The Dark Side of the Moon (1973) by the band Pink Floyd and the movie The Wizard of Oz (1939). By letting us experience that the album is allegedly a secret soundtrack for the film, her work also interrogates the mechanisms of this kind of mythmaking. In Hanne Darboven’s and Paul Thek’s works, complex interconnections between themes from social and cultural contexts emerge in the works themselves, seemingly asserting a convoluted personal truth. Art of this sort prompts us to reflect on how we ourselves conceive of the idea of truth and negotiate it both individually and socially.

The exhibition also surveys scenarios of disruption that arise in reaction to global events or are projected in the realm of fiction, on the movie screen or in literature. Michael Smith’s work, for example, which the artist produced between 1983 and 1985 applies the means of satire to the threat of a nuclear disaster, a very real danger especially during the Cold War. By shaping our interpretation of reality, however, imaginary scenarios of disruption can have social consequences as well. An installation by Monica Bonvicini and sculptures by Juan Muñoz, meanwhile, distort familiar architectonic structures to sinister effect. Here, resistance and rage, vulnerability and disintegration are intimately interwoven. The exhibition moreover presents works that look at disruptive characters. While Ugo Rondinone took inspiration from the clown, who critiques prevailing realities and can unmask social anxieties, Florian Germann, on the other hand, draws upon the phenomenon of the poltergeist who allegedly haunts and harasses people.
As in the first chapter, art’s own relationship with disruption plays an additional key role. Rather than reflecting on the social from an outside observer’s position, art is deeply entangled with it. Artists can critique the status quo, subvert conventions, and open up fresh perspectives as well as spaces of possibility. In this sense, art and disruption are close kin, confronting us with how we see and make sense of things and our individual as well as collective self-images.

Curator: Nadia Schneider Willen, Collection Curator, Migros Museum für Gegenwartskunst
Curatorial Assistant: Viktor Hömpler, Curatorial Assistant / Researcher, Migros Museum für Gegenwartskunst

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The Future is Blinking

Early Studio Photography from West and Central Africa

Museum Rietberg

18.03.2022 – 03.07.2022

Video Introduction to the exhibition

This is the first exhibition to focus on the work of the earliest local photographers working in West and Central Africa. Towards the end of the 19th century, together with their clients, they began to produce captivating images in outdoor studios. Future viewers of their images were always kept in mind; the sitters posed as they wanted to be seen by posterity. These images are remarkably different from the work of colonial photographers whose work served to confirm the Other as backward and exotic.
With around one hundred original prints, the exhibition considers the key themes in the history of photography in West and Central Africa with a focus on its peculiarities and its connections with other local art forms.

With around one hundred original prints, the exhibition considers the key themes in the history of photography in West and Central Africa with a focus on its peculiarities and its connections with other local art forms. “The Future is Blinking” is a quotation from the Ghanaian photographer Philip Kwame Apagya (b.1958) in Tobias Wendl’s 1997 film Future Remembrance. In it, Apagya refers to what he sees as the main function of photography in Ghana: the creation of idealized portraits to permit remembrance by future generations.

At the same time, the outdoor exhibition CAP Prize 2020 and 2021 (18.03.2022 till 12.06.2022) will take place in the Rieterpark, showing contemporary African photography.


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Jordan Wolfson

Female Fugures

Kunsthaus Bregenz / Austria
16 | 07 – 09 | 10 | 2022

Aufgrund künstlerischer und technischer Vorgaben ist die Installation im 3. Obergeschoss nur für eine beschränkte Personenanzahl zeitgleich erlebbar. Es kann zu Wartezeiten kommeLaufzeit Female Figure:
10 – 13 Uhr // 14 – 17.30 Uhr
Donnerstag bis 19.30 Uhr

Video excerpt

Female Figure

Jordan Wolfson, Female Figure,video still, (c) 2022

Jordan Wolfson ist für seine eindringlichen und beunruhigenden Arbeiten bekannt, die in unterschiedlichen Medien und Formaten die gegenwärtigen Bedingungen der Kunst, der Technologie und der Massenmedien untersuchen. Wolfson bezieht seine Motive aus der Gaming-Industrie, aus Internet-Clips, Comic-Strips oder Gesichtserkennungssoftwares. Seine Werke sind alles andere als leicht bekömmlich; sie stellen unbequeme Fragen: Wie werden Bilder und Informationen verarbeitet? Wie dringen Technologien in unser Denken und in unsere Wahrnehmungen ein? Wie gehen wir mit Themen wie Sexismus, Rassismus und Homophobie um? Was machen unsere Ängste mit uns?

In einem seiner Werke finden sich die Besucher*innen in eine virtuelle Welt versetzt: Wolkenkratzer ragen in den Himmel, Autos und gelbe Taxis rauschen auf einer der großen New Yorker Avenues vorbei, Straßenlärm ist zu hören – ganz normaler Großstadtalltag. Schon allein durch seine unheimliche Realitätsnähe besticht das 3D-Video. Doch dann ereignet sich in unmittelbarer Nähe ein ungeheuerlicher Vorfall: Ein Mann prügelt einen anderen mit einem Baseballschläger zu Tode. Wir, die Betrachter*innen, werden Zeug*innen des Geschehens, sehen das Opfer schließlich verbluten. Das eigene Schauen macht uns zu (Mit-)Schuldigen. VR, Virtual Reality, verwandelt sich in RV, Real Violence, 2017.

House with Face, 2017, zeigt exemplarisch Wolfsons Fähigkeit, visuelle Formen zu schaffen, die uns vertraut vorkommen, uns aber gleichzeitig beunruhigen. Wir sehen eine urige Blockhütte mit einem Dach, das an die verzerrte Grimasse einer hexenähnlichen Gestalt erinnert, an deren Gesicht – an Stirn, Wangen und Kinn – Metallringe montiert sind, die wie Piercings hervorstechen.
Artists Friends Racists, eine groß angelegte visuelle Collage aus dem Pandemiejahr 2021, wird im Erdgeschoss des KUB präsentiert. Zwanzig an einer Wand befestigte Hologramm-Ventilatoren drehen sich mit hoher Geschwindigkeit und erzeugen die Illusion von Bildern, die im Raum schweben, rotieren, pulsieren und zersplittern. Emojis, Davidsterne und die Arme einer Zeichentrickfigur mischen sich unter Porträts berühmter Künstler*innen. Auch Wolfson reiht sich ein.

Den Projektionen, die Wolfsons Bewunderung und Wertschätzung für seine Freund*innen und Künstlerkolleg*innen Ausdruck verleihen, sind Bilder gegenübergestellt, die seine Verachtung zeigen für unterdrückerische Autoritäten und für die subtilen und offensichtlichen Formen eines in die moderne weiße Identität eingeschriebenen Rassismus. Um dies zu verdeutlichen, präsentiert das Werk Bilder von Niederländer*innen in schwarzer Maske, die den »Zwarte Piet« feiern und von Weißen, die selbstzufrieden in den Spiegel schauen und sich scheinbar keiner Schuld bewusst sind. Anhand von Szenen aus der Kinderfernsehserie Sesamstraße und Bildern vom 11. September 2001 stellt Wolfson »high« und »low«, das Harmlose und das Zerstörerische, das Niedliche und das Brutale einander gegenüber. Dazwischen erscheinen die Zahlen der Ventilatoren wie ein geheimer Countdown oder ein Code, den wir nicht entziffern können.

Die Videoarbeit Raspberry Poser, 2012, ist im ersten Obergeschoss zu sehen. Die Projektion zeigt eine aufgebrachte Comicfigur, ein Kondom, das durch die Straßen des New Yorker Stadtteils SoHo streift, ein Anarchie-Zeichen, das sich in rasantem Tempo abwechselnd in ein Herz und in Geschlechtersymbole verwandelt. Wolfson spielt mit unserer Angst vor AIDS. Aus dem Kondom rieseln Perlen, die wie Bonbons oder Blutzellen aussehen. Schließlich taucht die stachelige Kugel eines Virus auf, eine Form, die uns seit der Pandemie allzu vertraut ist. Auch in dieser Arbeit setzt sich Jordan Wolfson mit sexueller Identität und inneren Konflikten auseinander, ohne Antworten zu geben. Stattdessen erscheint Wolfson selbst als Skinhead mit kahlgeschorenem Kopf, wie er durch Pariser Parks streift. Raspberry Poser verzichtet darauf, verbindliche Realitäten zu schaffen oder klare moralische Aussagen zu liefern, und doch wirft die Videoarbeit existenzielle Fragen zu Liebe, Leben, Begehren und Tod auf.
Im zweiten Stock sind Collagen auf Holz- und Metallträgern ausgestellt, die Wolfson als Wall Objects bezeichnet. Sie sind mit Fotos und Aufklebern versehen, Seile oder Ketten baumeln herab, viele weisen symmetrisch gebohrte Löcher auf. Einige der Collagen erinnern an Werkbänke, andere lassen an Folterinstrumente denken. Manche haben die Form eines Davidsterns. In den physischen Objekten verzahnen sich virtuelle und imaginäre Welten und verschmelzen mit Bildern, die von Gefühlskälte, drohender Gefahr oder Rachedurst zeugen.

Im obersten Geschoss tanzt eine Roboterfigur vor einem Spiegel. Die Female Figure, 2014, trägt kniehohe Stiefel, ein weißes Negligé und eine blonde Perücke. Schwarze, böse blickende Augen lugen unter der grünen Maske eines Pestarztes hervor. Wolfson übersetzt Videotechnologie in Skulptur. Verblüffend anmutig schwingt das Go-go-Girl die Arme, während seine Gelenke zu den Rhythmen von Popmusik knarzen. Wolfson leiht der verschmutzen Figur, die auf erstaunliche Weise zugleich abstoßend und anziehend wirkt, seine Stimme: »Meine Mutter ist tot. Mein Vater ist tot. Ich bin schwul.« Ein Gefühl der Beklommen-heit stellt sich ein – nicht zuletzt aufgrund der Tatsache, dass die Skulptur den Spiegel nutzt, um Blickkontakt zu den Betrachter*innen herzustellen.

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Wolke in Form eines Schwertes

Katharina Grosse
Saarlandmuseum Moderne Galerie


Katharina Grosse, Ohne Titel (Detail), 2020, Foto: Markus Wörgötter

Museumsdirektorin Andrea Jahn ist es gelungen, die international renommierte Malerin Katharina Grosse nach Saarbrücken zu holen.

Katharina Grosse (*1961 in Freiburg im Breisgau) zählt zu den richtungsweisenden und bahnbrechenden Künstlerinnen ihrer Generation. Besucher*innen erwartet eine Präsentation ihrer neuesten Leinwandarbeiten, die im großzügig dimensionierten Erweiterungsbau der Modernen Galerie ihre visuelle Kraft entfalten. Die in Saarbrücken ausgestellten Werke bringen die jüngst sehr unterschiedlich erprobten Arbeitsweisen von Katharina Grosse zusammen: in manche Leinwände sind Äste, Zweige und Treibholz eingearbeitet, die anschließend mit Sprühfarbe überzogen wurden, so dass Malerei, natürliche Materialien und skulpturale Strukturen miteinander verschmelzen. Andere Werke sind in ihrer Farbigkeit und ihren Dimensionen ganz auf Raumwirkung angelegt. So entsteht eine ortsbezogene Malerei-Installation, die zugleich das klassische Bild zum Thema macht.


Also exhibited at the Saarlandmuseum are two sound installations:

Christina Kubisch - Das Glashaus

1800 Meter Elektrokabel hat die Künstlerin Christina Kubisch für ihre Klanginstallation „Das Glashaus“ in unregelmäßigen, von der Decke herabhängenden Schlaufen drapiert, durch welche sich die Besucher*innen hindurchbewegen und dabei über Induktionskopfhörer Naturgeräusche wahrnehmen können. Das Zusammenspiel zwischen den lianenartig anmutenden Kabeln und dem exotischen Klangspektrum unterstützt den Eindruck, dass sich die Besucher*innen inmitten eines botanischen Gartens befinden: Vögel zwitschern, Wasser plätschert und Blätter rascheln leise im Wind. Die eigens von der Künstlerin entwickelten Kopfhörer übertragen dabei nicht nur die idyllisch-paradiesischen Klänge, sondern diese werden zugleich von weiteren akustischen Klängen überlagert, die die Künstlerin im Vorfeld der Installation aufgenommen hat. Ursprung dieser Klänge sind sogenannte „hidden sounds“, elektrische Felder, die uns in unserer Umwelt umgeben, die jedoch als solche nicht hörbar sind und die erst mittels der Induktionstechnik akustisch wiedergegeben werden können. Die Intensität dieser Töne und deren unterschiedliche Durchmischung werden dabei durch die Besucher*innen und deren Bewegung im Raum beeinflusst.


David und Douglas Henderson - The Sea is a Big Green Lens

The Sea is a Big Greens Lens ist eine mehrkanalige Klanginstallation, die 2014 von den Brüdern David und Douglas Henderson erarbeitet wurde. Ausgehend von dem Gedicht Weissgeräusche des Lyrikers Paul Celan, entwickelte Douglas Henderson eine Klangkomposition, deren grundlegende Idee es ist, das Innere einer auf dem Meer treibenden Flaschenpost mittels verschiedenster, real aufgenommener Klänge zu symbolisieren. Das physische Erscheinungsbild der Installation wurde von David Henderson geschaffen. 64 aus Polyurethan-Schaum bestehende Skulpturen wurden für die Installation angefertigt, die innerhalb der Installation von der Decke und vom Boden aus in die Raummitte ragen. Einzelne dieser Objekte wurden mit Lautsprechern und Verstärkern ausgestattet und geben die Klangkomposition wieder. Indem die Besucher*innen sich frei durch das Labyrinth aus Klangkörpern bewegen, erfahren sie den dreidimensionalen Klang und werden selbst zum Teil der von den Künstlern versinnbildlichten Flaschenpost.


Furthermore, there is an exhibition of, mostly, photographs:

Die Vier Elemente – Feuer, Erde, Wasser und Luft – liefern im wahrsten Sinne „elementare Themen“, die sich durch alle Lebensbereiche ziehen und Künstler zu vielfältigen Ausdrucksgestaltungen inspiriert haben.
Reichhaltig ist denn auch die Auswahl von Werken aus der Zeit vom Ende des 19. Jahrhunderts bis in die Gegenwart aus dem Fundus der Fotografischen und Graphischen Sammlungen des Saarlandmuseums, die überraschende Korrespondenzen eingehen.
Für je knapp drei Monate Laufzeit erhält jedes der Elemente-Kapitel mit etwa 60-80 Exponaten seinen Auftritt. Los geht es mit dem Element „Wasser“ im Erweiterungsbau der Modernen Galerie: Flüsse, Seen, Meere, mit Booten, Badenden oder sich spiegelnder Landschaft, Wasserträger und Wassertrinker, Brunnen, Strukturen von Eis und Schnee – um nur einige Motive zu nennen.
Ausgestellt werden Werke von Monika von Boch, Harald Boockmann, Ernst Ludwig Kirchner, Alfred Kubin, Hans-Christian Schink, Otto Steinert, Franz von Stuck, Joachim Lischke, Peter Takal, Lesser Ury, Suzanne Valadon und vielen anderen.
21. Mai 2022 bis 1. Januar 2023


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Fondation Beyeler, Basel



Impressionen von der Ausstellung


Anlässlich des 150. Geburtstags des Künstlers widmet die Fondation Beyeler dem niederländischen Maler Piet Mondrian eine umfassende Ausstellung. Als einer der bedeutendsten Künstler der Avantgarde-Bewegung hat er die Entwicklung der Malerei von der Figuration zur Abstraktion massgebend geprägt. Mondrians frühes Werk wird von der niederländischen Landschaftsmalerei des späten 19. Jahrhunderts bestimmt, aber auch Symbolismus und Kubismus waren von grosser Bedeutung für ihn. Erst ab Anfang der 1920er Jahre konzentriert sich der Künstler auf eine komplett gegenstandslose Bildsprache, die sich auf die rechtwinklige Anordnung von schwarzen Linien mit Flächen in Weiss und den drei Grundfarben Blau, Rot und Gelb beschränkt.

Während die Sammlung der Fondation Beyeler vor allem Bilder aus den späteren Schaffensphasen Mondrians beinhaltet, liegt der Fokus dieser Ausstellung auf Werken, welche Mondrians künstlerische Entwicklung bis in die zwanziger Jahre und die stilistische Entstehung seines Spätwerks beleuchtet. In einzelnen Kapiteln werden Motive wie Windmühlen, Dünen und das Meer, sich im Wasser spiegelnde Bauernhöfe und Pflanzen in verschiedenen Abstraktionsstufen behandelt. «Mondrian» wird gemeinsam von der Fondation Beyeler und K20, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf organisiert.
#BeyelerMondrian #MondrianEvolution

Video Trailer


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Deutsches Romantik-Museum Frankfurt

Johann Wolfgang von Goethe, Kerzen, Kessel, Totenkopf: Beschwörungsszene der Hexen bei Vollmond, 1776-79

Michèle Danjoux, reclining male figure, drawing, 2022

Feine Linien, energische Schraffuren, weiche Striche – so individuell die Handschrift von Künstler*innen, so vielfältig die Zeichenmittel. Von Füssli und Friedrich zu Kauffmann und Tischbein – Glanzstücke von über 60 Künstler*innen bezeugen, dass die Zeichenkunst um 1800 so reich an Ausdrucksformen ist wie zu kaum einer anderen Zeit.

Berühmte Werke der Zeichenkunst wie die Darstellung Goethes am Fenster in Rom von seinem Malerfreund Tischbein oder den vom Dichter selbst gezeichneten Farbenkreis treffen auf überraschende Neuentdeckungen aus der Sammlung des Freien Deutschen Hochstifts. Die erstaunliche Bandbreite der Gattung im 18. und 19. Jahrhundert geht auf die heute kaum mehr zu fassende Allgegenwärtigkeit des Zeichnens im Zeitalter Goethes zurück. Reich illustrierte Essays beleuchten dieses Phänomen anschaulich als Kulturpraxis von gesamtgesellschaftlicher Dimension im literarisch geprägten Zeitalter Goethes

Bettina von Arnim | Armgart von Arnim | Carl Gustav Carus | Daniel Nikolaus Chodowiecki | Lovis Corinth | Caspar David Friedrich | Josef von Führich | Johann Heinrich Füssli | Johann Wolfgang von Goethe | Anton Graff | Ludwig Emil Grimm | Jakob Philipp Hackert | Franz Horny | Carl Ludwig Kaaz | Angelika Kauffmann | Georg Friedrich Kersting | Christoph Heinrich Kniep | Christian Koeck | Georg Melchior Kraus | Johann Heinrich Lips | Johann Ludwig Ernst Morgenstern | Friedrich Müller, gen. Maler Müller | Adam Friedrich Oeser | Franz Pforr | Johann Christian Reinhart | Adrian Ludwig Richter | Franz und Johannes Riepenhausen | Dante Gabriel Rossetti | Karl Friedrich Schinkel | Moritz von Schwind | Franz Skarbina | Edward von Steinle | Johann Heinrich Wilhelm Tischbein | Philipp Veit | George Augustus Wallis | Johann Georg Wille u. a.

Die erste große Sonderausstellung im Deutschen Romantik-Museum macht einen Schatz aus dem Depot des Freien Deutschen Hochstifts sichtbar: die einzigartige Sammlung originaler Handzeichnungen, die hier seit dem ausgehenden 19. Jahrhundert mit einem spezifischen Bezug zu Goethe und seiner Zeit zusammengeführt wird. Zeichnungen und Aquarelle von über 60 Künstlern und Künstlerinnen offenbaren den faszinierenden Ideenreichtum sowie die technische und motivische Vielfalt der Zeichenkunst um 1800. Auf höchstem künstlerischen Niveau präsentieren sich Arbeiten von Johann Heinrich Füssli, Caspar David Friedrich, Jakob Philipp Hackert, Angelika Kauffmann und Johann Heinrich Wilhelm Tischbein. Auch Johann Wolfgang Goethes berühmter Farbenkreis, anatomische und literarische Illustrationen, Freundschaftsgaben und Salonkunst bezeugen die Allgegenwärtigkeit des Zeichnens im Zeitalter Goethes. Die Besucherinnen und Besucher sind eingeladen in der Ausstellung selbst tätig zu werden und das Zeichnen vor Ort neu zu erproben. Das Rahmenprogramm umfasst Kreativ-Angebote, Führungen und Abendvorträge. Ein von den Kuratorinnen Mareike Hennig und Neela Struck herausgegebener Ausstellungkatalog erscheint im Hirmer Verlag (312 Seiten, 186 Abbildungen in Farbe).

Die Ausstellung ist Teil eines von der Art Mentor Foundation Lucerne geförderten Erschließungsprojektes, in dem der Gesamtbestand der Handzeichnungen wissenschaftlich erschlossen und als Bestandskatalog online und im Druck publiziert wird.

Kuratorinnen der Ausstellung: Dr. Mareike Hennig und Dr. Neela Struck
AUSSTELLUNGERÖFFNUNG: Freitag, 26. August 2022


zweite Ausstellung


Ich liebe Deine Liebe - Der Briefwechsel zwischen Friedrich Schlegel und Friedrich von Hardenberg (Novalis)

Friedrich Schlegel und Friedrich von Hardenberg wurden 1772 geboren. Zum 250.Geburtstag der beiden Frühromantiker zeigt das Deutsche Romantik-Museum eine sechsteilige Ausstellung, in deren Zentrum einer der großen Schätze des Freien Deutschen Hochstifts steht: der fast vollständig erhaltene Briefwechsel der beiden, von der ersten Begegnung in der Studienzeit in Leipzig 1792 bis zu Hardenbergs Tod im Jahr 1801.

„Ich liebe Deine Liebe“. So schreibt Schlegel 1797 an seinen Freund, den späteren „Novalis“. Das ist für einen solchen Briefwechsel, selbst unter Poeten, ein ganz neuer Umgangston. Wie kam es dazu? Die Ausstellung der Briefe, die Schlegel und Hardenberg miteinander gewechselt haben, versucht diese Frage zu beantworten, indem sie die kultur- und bewusstseinsgeschichtliche Bedeutung ihres Verhältnisses ins Zentrum stellt.

Hier geht es nicht um empfindsame Herzensergießungen im Stil des Werther, auch nicht um den ausgewogenen Ton der deutschen Klassik, sondern um die Suche nach dem eigenen Ich, das biographisch geworden, aber auch philosophisch und literarisch erfunden ist. Schlegel und Hardenberg erkunden sich gegenseitig, konstruieren sich in selbstreflexiven Sprachspielen („Ich liebe Deine …“), und erforschen gemeinsam die Kunst und die Welt. Trotz häufiger Verstimmungen kommt es zur Symphilosophie und Sympoesie: Briefe werden zu Kunstwerken, die Grenze zwischen Leben und Poesie verschwindet. Aus getrennten Identitäten werden erst viele und dann ein neues, romantisches Ich, das sich mit dem anderer frühromantischer Freunde und Verwandten zu einer schöpferischen Familie, zur Keimzelle einer neuen, poetischen Welt verbündet.

Kuratiert wird die Ausstellung von Nicholas Saul (Durham University /UK) und Johannes Endres (UC Riverside/USA).

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100 Years of the Triadic Ballet by Oskar Schlemmer

Staatsgalerie Stuttgart

10.04. - 09.10.2022

Oskar Schlemmer’s Triadic Ballet premiered at the Württembergisches Landestheater in Stuttgart on 30 September 1922. Almost a century later, this extraordinary gesamtkunstwerk, which brings together visual art, dance and costume design, has lost none of its fascination. Schlemmer’s surviving original figurines, which have been in the possession of the Staatsgalerie since the 1970s, are among the highlights of the collection. Why and in what way does the Triadic Ballet still move our visitors even a hundred years after its creation? And what is Schlemmer’s relevance to contemporary art? The exhibition Moved by Schlemmer integrates the historical figurines in a presentation of large-scale installations by three contemporary artists and brings an extraordinary moment of Stuttgart’s history onto the stage of the present.

The starting point of the exhibition is Schlemmer’s concept of the Triadic Ballet as an embodiment of the principle of the trinity. Three acts conveying three different moods, building up from the cheerful and burlesque to the festive and solemn and, finally, to the mystical and fantastic. Ulla von Brandenburg, Kalin Lindena and Haegue Yang each react to one mood and challenge Schlemmer’s thoughts and decisions with their own artistic questions. A look at the history of the work’s reception shows that its influence extends far beyond the art world, resurfacing, for example in music and fashion. But it also shows what critical questions Schlemmer’s work provokes today, one hundred years after its creation.
Die Ausstellung steht unter der Schirmherrschaft von Winfried Kretschmann, Ministerpräsident des Landes Baden-Württemberg.

Dance and Performance Festival
Bodies of the Present
30 September – 9 October 2022
Where do we stand today in terms of our image of man, whom Oskar Schlemmer perceived as a ‘machine human’ in 1922? And how visionary can art be in times of social upheaval? Taking the utopian potential of the Triadic Ballet as our starting point, we explore these current and historical questions in our own dance and performance festival, which will be developed in cooperation with the independent dance scene and be held in Stuttgart’s public urban space.
The program for the festival will be published on the website. .










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Press Release for the Interaktionslabor Manifesto released in September 2014

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